「偉大な音楽家であると同時に、それ以上に素晴らしい人間であってください」作曲家インタビュー：ケヴィン・チャロエンスリ氏（Kevin Charoensri） - 吹奏楽・管楽器・打楽器・クラシック音楽のWebメディア Wind Band Press

[English is below Japanese]

タイ系アメリカ人の作曲家ケヴィン・チャロエンスリ氏に、設問に答えて頂く形でインタビュー取材を行いました。

チャロエンスリ氏は、カリフォルニア州サンディエゴ出身。作曲家、ピアニスト、指揮者であり、現在はミシガン州立大学で修士課程に在籍しています。ワシントン・ポスト紙から「気迫に満ちた音楽的応答」と評されたその作品は、単なる楽譜上の音符を超越することを目指しており、歴史的に疎外されてきたコミュニティ、とりわけAAPI（アジア系アメリカ人および太平洋諸島系アメリカ人）コミュニティの物語を主題に据えることが多々あります。作曲活動に加え、芸術や「レプリゼンテーション（多様な人々の代表・表現）」の重要性を積極的に発信しており、CNNやNPR、各種ポッドキャストに出演して、文化的な提言や音楽界における若者のリーダーシップについて語っています。彼の作品『Rising Light』は、その文化的意義が認められ、スミソニアン国立アメリカ歴史博物館に収蔵されています。

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1. まず簡単にあなたの生い立ち、どこでどのように育ったのか、作曲家としての活動を始めたきっかけは何だったのか、などについて教えて頂けますでしょうか？

私は、アメリカへの第一世代移民であるタイ人の両親のもとに生まれました。サンディエゴで生まれたものの、父が仕事のために現地に残る一方、私は幼い頃にタイへ連れて行かれました。6歳になってアメリカに定住するまでは、タイで約9ヶ月、アメリカで約3ヶ月を過ごすという生活を送っていたため、バンコクとサンディエゴの双方を行き来しながら育ったと言えます。

こうした経験こそが、音楽の作曲を通じて自身のアイデンティティを表現するきっかけとなりました。作曲を始めた当初、クラリネットを演奏していた中学・高校のバンド指導者、デイブ・ホール先生から多大な支援を受けました。先生は楽譜作成ソフトの使い方や作曲の基礎を教えてくれただけでなく、「何かを書くなら、それを人に教える方法も知っておかなければならない」と繰り返し説いてくれました。その教えもあり、私は12歳で、所属していた中学・高校のバンドの指揮と作曲を始めました。指導者や多くの素晴らしい友人に恵まれる一方で、私のアジア的な要素を快く思わない人々もいました。作曲を学んでいた子供時代、私は言葉や身体的な暴力を含む激しいいじめに遭いました。同級生からは、私の音楽は「アジア的すぎる」と絶えず言われました。子供ながらに指揮を務めたリハーサルでは、タムタムやゴング、あるいは五音音階（ペンタトニック・スケール）といったアジア音楽特有の要素が出てきた途端、演奏者たちが演奏を拒否することさえありました。

その経験ゆえに、長年にわたって自分のアイデンティティを抑え込まざるを得ませんでしたが、同時に、音楽を通じて自由に自分を表現できることの尊さも学びました。指揮者として、私の音楽を演奏したいと願ってくれる人々とつながれることが、いかに特別なことであるかを実感したのです。私が作曲（そして指揮）を続けてこられたのは、人々とつながり、「今」という瞬間や音楽という贈り物を分かち合えるからに他なりません。

2. あなたは多くの吹奏楽作品を発表しています。吹奏楽にどのような魅力を感じているかについて教えて頂けますか？

私が吹奏楽に魅力を感じる理由は2つあります。一つはコミュニティの存在であり、もう一つは、これまであまり取り上げられてこなかった作曲家による新しい音楽を積極的に紹介し、それらを取り入れる柔軟性を持っている点です。こうした姿勢は、芸術の意義を訴え、あらゆる人々の多様性を反映させる物語を世に広めることにつながっています。

私の経験上、このコミュニティは非常に多様なスタイルを受け入れてきました。特に、ジャズやアフリカ系アメリカ人の音楽との融合、そして私自身にとっては、タイの伝統音楽とジャズの融合といった要素がその好例です。

吹奏楽の持つ適応力やその魅力は、現代の作曲家、とりわけこれまであまり注目されてこなかった作曲家たちの作品を積極的に取り上げる文化にあります。また、吹奏楽の標準的な編成も、こうした文化的目標の達成に寄与していると考えています。上級レベルの吹奏楽編成（補助楽器を含む）には、ビッグバンドの標準的な楽器構成が（ギターを除き）すべて含まれています。具体的には、4パートからなるサックス・セクション、3本のトランペット、3本のトロンボーンといった構成です。これらのセクションの人数は、サックス5本、トランペット4～5本、トロンボーン4本で構成される標準的なビッグバンドと比べても、わずか1～2名少ない程度です。ピアノやコントラバスといったビッグバンドのリズム・セクションの楽器は、吹奏楽の標準的なレパートリーではあまり使われないこともありますが、吹奏楽という形態はジャズの要素を反映しやすく、現代の作曲家たちが自身の編曲や作曲のスキルをこの媒体で発揮する場となっています。

ジャズバンドとの類似性があるからこそ、吹奏楽は、特定の物語やメッセージを伝える作品（標題音楽的な作品）に適していると私は考えています。特に、これまであまり取り上げられてこなかった作曲家にとってはなおさらです。こうした特性が、多様な文化的背景を持つ作曲家や彼らの物語を積極的に紹介し続けるという、吹奏楽の文化を支えているのだと思います。

たとえ普段ジャズバンド向けの曲を書かない作曲家であっても、必要に応じてスタイルや解釈を柔軟に変えられる吹奏楽という形態は大きな助けとなります。ジャズとは無関係な異なる文化圏の音楽を取り入れようとする作曲家にとっても、この柔軟性は有益なものなのです。

3. 吹奏楽曲を作曲する際、特に注意していることや心がけていること、あるいはあなた独自のルールはありますか？

私は常に、指揮者を含む演奏者のことを考えるようにしています。私自身、12歳から指揮をしてきた経験があるため、各パートが演奏者にとってどのような役割を果たすのか、そしてどうすれば個々の旋律を活かしつつ、彼らにとって特別な体験にできるのかに細心の注意を払っています。また、指揮者がリハーサルを円滑に進められるよう、理にかなった分かりやすいフレージングや拍子記号を提示することにも努めています。さらに、フェルマータやリタルダンド（rit.）、アッチェレランド（accel.）などを適宜盛り込むことで、指揮者が芸術的な判断を下せる余地を残し、彼ら独自の解釈を最大限に反映した演奏になるよう心がけています。そうすることで、例えば私自身の指揮と他の指揮者の解釈が異なるものになるのです。

私は、他の指揮者が私の作品を「緩やかに再構成（ソフト・リコンポーズ）」することにも抵抗がありませんし、作曲の段階でそうした余地が生まれるような瞬間を意図的に作るようにしています。その好例として、あるレジデンシー（滞在制作）での出来事が挙げられます。そこでは、ある大学院生が私の作品『Rising Light』を指揮していました。この曲は、コロナ禍にアジア人女性に対する無差別な人種差別攻撃が相次ぎ、アジア人女性である私の母が恐怖を感じたことをきっかけに、それに対する平和的な抗議として書いたものです。曲中には、私としては「音符の長さの2倍程度」というごく標準的な長さのフェルマータを想定していた箇所がありました。しかし、その指揮者の知人であるアジア人女性（彼女自身もヘイトクライムの被害者でした）がゲネプロ（通し稽古）を聴き、その瞬間に深く共感したため、「もっと長く続いてほしかった」と指揮者に個人的に伝えたのです。彼女は音楽家ではありませんでしたが、その演奏が彼女の心にさらに深く響くものであるべきだと感じた私は、指揮者と相談してリタルダンドを加え、フェルマータをより長く保つように変更しました。現在、私自身がこの曲を指揮する際にも、必ずわずかなリタルダンドをかけ、フェルマータを長めに保持するようにしています。そうすることで、演奏のたびに「生きた再構成」が行われるようにしているのです。（ご参考までに、ここで言及している箇所は『Rising Light』の第20小節にある任意の「rit.（だんだん遅く）」、および第17小節の4拍目にかける任意のフェルマータの部分です。）

私自身の作曲活動において、聴衆（音楽家であるか否かを問わず）に対して自分の出自や文化を証明しなければならないとは考えないようにしています。タイで多感な時期を過ごしたアジア系アメリカ人として、かつては「アジアらしい」響きを求め、そうした要素を強く取り入れなければならないというプレッシャーを感じていました。しかし現在では、自分の作品が「教科書的な意味で正統なアジアやタイの旋律」ではないことを明言さえすれば、子供時代の経験から自由にインスピレーションを得て作曲してよい、という考えに至っています。アメリカとアジア、双方からの影響を融合させることは許されるのです。なぜなら、それこそが「ありのままの自分」を最も誠実に表現する形だからです。私がペンタトニック（五音音階）を基調とした和声を用いるのは、アメリカのジャズとタイのアジア的音楽、その双方から等しく影響を受けているからです。また、タムタムやゴングを鳴らすよう書くのは、それが私の頭の中で鳴っている音だからであり、「自分はタイ出身だ」とか「自分はアジア人だ」と世界に証明するためではありません。

4. 作曲家として人生のターニングポイントとなった自身の作品があれば、その作品についてのエピソードを教えて下さい。（これは吹奏楽作品でなくても構いません）

私の吹奏楽作品『Rising Light』は、作曲家としての私の人生において、いくつかの理由から大きな転機となりました。この曲は、新型コロナウイルス流行後に激化したアジア系へのヘイトクライム（憎悪犯罪）に対する応答として生まれたものです。きっかけは、アメリカに30年近く住んでいた私の母が、特にアジア人女性を標的とした人種差別的かつ暴力的な無差別攻撃を恐れ、一人で食料品店へ行くことさえできなくなったことでした。

私にとって、これは音楽を通じて政治的なメッセージと個人的な思いを同時に表現した初めての経験でした。中高時代、バンドの活動内外でいじめを受けた経験から、自分の音楽にアジア的な要素を取り入れることを長年恐れてきましたが、この曲を通じてその恐れを克服することができたのです。

しかし、初演から2年後、この曲は「The President’s Own」として知られるアメリカ海兵隊音楽隊のプログラムに採用されました。これは、音楽界で過少代表されている有色人種の高校生を対象としたオーディション・プログラム「Equity Arc」との合同演奏（サイド・バイ・サイド）企画の一環でした。若い音楽家たちが海兵隊音楽隊のメンバーと並んで『Rising Light』を演奏することになっていたのです。ところが、DEI（多様性・公平性・包摂性）に関連する取り組みであるという理由から、上層部の決定によりこのコンサートは中止となりました。プログラムの内容そのものが問題視され、コンサート全体が白紙撤回されたのです。

CNN、NPR、ワシントン・ポスト、CBSの『60ミニッツ』といった全米メディアがこのニュースを取り上げました。その中で何よりも素晴らしかったのは、全米のバンド・コミュニティが私の音楽を、そして何より、海兵隊音楽隊との合同演奏という教育的な機会を奪われた生徒たちを力強く支持してくれたことです。

検閲によって私の作品が排除されたことに対するこうした反応は、私がこれまでに目にした中で最も素晴らしい、コミュニティの愛と連帯の表れでした。そしてそれこそが、この作品に新たな意味をもたらすことになったのです。

5. ご自身の作曲または編曲に強く影響を受けた他の作曲家や編曲家の作品があれば、それについてどのような影響を受けたのか教えて下さい。（クラシックでなくても構いません）

作曲家として、デューク・エリントンの編曲やその音楽的物語には非常に大きな刺激を受けています。『ブラック・ブラウン・アンド・ベージュ（Black, Brown, and Beige）』のような組曲におけるクラシックとジャズの融合や、彼の数々の楽曲は、私にとって大きなインスピレーションの源です。

タイ音楽とジャズの融合に初めて触れたのは、作曲家でありジャズ・クラリネット／サックス奏者でもあったタイのプミポン・アドゥンヤデート国王（当時）の音楽を通じてでした。国王はベニー・グッドマンと共演することも多く、その作品にはジャズとタイの伝統的な旋律を融合させたものが数多くありました。一国の指導者が異文化を融合させた作品を創作する姿を目の当たりにしたことは、子供時代の私にとって大きな刺激となりました。

現在、ミシガン州立大学で師事しているジョウ・ティエン（Zhou Tian）博士もまた、作曲やオーケストレーションに関する卓越した知識に加え、アイデンティティや作曲という概念において私に多大な影響を与えてくれています。彼は、楽譜の中で無理にアイデンティティを証明しようとするのではなく、音楽そのものが自然と私のアイデンティティを反映するものであるべきだという考えを支持してくれており、その点に深く感謝しています。米国において作曲の分野でアジア人の指導者に出会えることは稀であり、彼のもとで学んでいるこの時間を大変貴重なものだと感じています。

6. 将来の目標（またはこれから新たに取り組みたいこと）について教えてください。

ミシガン州立大学での修士課程を修了し、来年からタイに戻って本格的に活動を始めることを楽しみにしています。現地では、数多くのアンサンブルと共演や指揮、そして作曲の面で関わっていけることに大きな期待を寄せています。また、アジア全域のアンサンブルとのコラボレーションの機会もあれば、ぜひ実現したいと考えています。

何よりも楽しみにしているのは、家族のもとへ戻り、家族との時間を大切にすることです。幼い頃からアメリカで学業を最優先にしてきましたが、その決断をして本当に良かったと思っています。しかし、これからは家族、特に高齢の家族と一緒に過ごすことを優先すべき時期だと感じています。

今後の創作活動については、現在、修士論文として「A Garden of Memories（記憶の庭）」と題した3楽章構成の管弦楽曲を仕上げているところです。この作品を完成させ、近い将来には吹奏楽版への編曲も行いたいと考えています。

7. あなたの作品は、世界中の多くの国で演奏され、評価されていることと思います。世界中の若い作曲家や作曲家を目指す学生たちにアドバイスをお願いします。

若い作曲家や学生への私からの最大のアドバイスは、できるだけ早く自分の「なぜ（why）」を見つけ、自分の作品を通じて誰の心に響かせたいのかを明確にすることです。ここで言う「誰」とは、単に売り込むための「ターゲット層」のことではありません（もちろん、自己宣伝のためにそうするのは構いませんが）。そうではなく、あなたの物語に耳を傾けてくれるような音楽コミュニティを見つけることなのです。アメリカでは、演奏の分野ではアジア人の存在感はそれなりにありますが、作曲や指揮といった分野になると、その割合はかなり低くなります。一般的に、アメリカのアジア人は控えめで遠慮がちな傾向があるため、指揮や作曲といったリーダーシップが求められる役割の候補として考慮されないことがよくあります。しかし私は、自分には指揮者や作曲家になる資質がないと思い込んでいる、控えめなアジア系アメリカ人の若者たちにとって、可能な限り力になれる存在やロールモデルでありたいと努めています。

自分自身や自分の目標に対して誠実であれば、たとえ相手が当初想定していた「ターゲット層」そのものではなくても、世界中の人々が共感してくれるものだと実感しています。私が『Rising Light』という曲を書いた際、ターゲットとしていたのはアメリカのアジア系の人々でした。しかし、アジア圏か否かを問わず世界中の多くの国で、アメリカで起きている不公正な現実を伝えるための教育的な教材として、この曲が演奏されるようになりました。また、イギリスやオーストラリアにいる多くのアジア系の学生たちからも、この曲を聴いて、それぞれ異なる状況ながらも似たような思いを抱き、共感したという声が寄せられています。

最後に、作曲の世界は狭いものです。残念なことに、若手作曲家をこき下ろすことを楽しむような人たちもいます。他人を蹴落として階段を上るような世界であっても、あなたは公正な方法で高みを目指し、チャンスがあれば他者を引き上げてあげられるような人であってください。機会があればいつでも、過小評価されている他のアーティストを積極的に支援し、擁護してください。偉大な音楽家であると同時に、それ以上に素晴らしい人間であってください。

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インタビューは以上です。チャロエンスリさん、ありがとうございました！

ぜひ多くの方にインターネット上の音源や、演奏会を通じてチャロエンスリさんの作品に触れていただきたいと思います。

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取材・文：梅本周平（Wind Band Press）
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Interview with Kevin Charoensri, composer

1. First of all, would you tell me about your background, where and how you grew up, what made you start as a composer?

I was born to two Thai parents who were first generation immigrants to America. I was born in San Diego, but quickly taken back to Thailand while my Father stayed and worked. I like to say I grew up between both Bangkok, Thailand and San Diego, California, spending about 9 months in Thailand and 3 months in the U.S., until 6, where I started living in the U.S. on a more permanent basis.

This experience is what inherently started my expression of my identity through music composition. When I first started composing, I had the generous support of my school band director, Dave Hall in both middle and high school, where I played clarinet. He taught me notation software, composition basics, and he reminded me over and over that if I wrote something, I had to know how to teach it. Therefore, I started conducting and composing at age 12 with my middle and high school band. While I had the generous support of my band directors and many wonderful friends, there was also a group of individuals who did not like my Asian influences. I was heavily bullied as a child, both verbally and physically, in my composition upbringing. Peers constantly called my music “too Asian”. There were instances in dress rehearsals I was conducting as a child, where musicians refused to play music the moment there were any stereotypical elements of Asian music, such as a tam-tam, gong, or pentatonic scale.

This made me have to suppress my identity for many years, but it taught me the sacredness of being able to express myself freely through my music. I realized how special it was to be able to connect with the people who did want to play my music as a conductor. What made me stick with composing (and conducting) was the ability to be able to connect with people and to share the gift of the present and the gift of music.

2. You have published many wind band works. Would you tell me about what fascinates you about wind band music?

Wind Band fascinates me for two reasons: the community and its ability to champion and adapt to new music from underrepresented composers, pushing stories of arts advocacy and representation of all people.

In my experience, the community has been receptive to so many different styles, specifically the integration of jazz, African-American music, and for me personally, the intersections of both traditional Thai music and jazz music.

My fascination with wind band and its ability to adapt lies within the culture of championing underrepresented, living composers. I also believe that its standard instrumentation helps aid this cultural goal as well. The standard advanced wind ensemble instrumentation, with auxiliaries, contains the entire instrumentation of a standard big band (with the exception of guitar). There is a full 4-part saxophone section, 3 trumpets, and 3 trombones. These sections are all just 1-2 players less than a standard big band, which traditionally contains 5 saxophones, 4-5 trumpets, and 4 trombones. While some of the big band’s rhythm section instruments such as piano and double bass are less involved in standard wind ensemble repertoire, the ensemble lends itself as a reflection of jazz, where many underrepresented composers, many of which are living, are able to bring in their skills of arranging/composing into the wind band medium.

For me, because of the wind band’s similarities to jazz bands, I believe it lends itself to pieces which tell a programmatic message, especially for underrepresented composers. I believe this helps keep wind band’s culture of championing underrepresented composers and their diverse, multicultural stories alive.

Even for those who do not typically write for jazz bands, I believe the culture of ensembles being readily available to adjust styles and interpretations when needed, aids composers who may be importing music from different cultures that are non-jazz related as well.

3. When composing a wind band piece, is there anything you pay special attention to, keep in mind, or have any rules of your own?

A rule of mine is always think about the performers, including the conductor. With my past of conducting since 12, I pay special attention to how every part functions for the player and how I can still make it an individual line and special experience for them. I also try my best to make sure the conductor has the smoothest possible experience through rehearsals, by providing phrasing, and subsequently, time signatures, that make sense, and are easy to understand. Additionally, I try to give the conductor freedom to make artistic decisions by inserting fermati, rit., accel., etc. in order to make my piece feel like their unique interpretation the most. This way my conducting interpretation is different from another conductor’s for example.

I am also not afraid to let other conductor’s “soft recompose” my pieces as well, and I try to create moments for this in my music when composing. A great example of this was when there was one residency, a graduate student was conducting my piece “Rising Light”, a piece of peaceful protest against the post-COVID Asian hate after my mother, an Asian female, felt fearful of the random, racist attacks on Asian women during that time. There is a fermata that I felt was quite standard, about 2x the length of the note. However, a family friend of theirs who was an Asian female who had been a hate crime victim listened to the dress rehearsal of the piece, and she told the conductor in private she just wished that moment lasted longer, because she resonated with it. She was not a musician, therefore I felt the further need for that performance to resonate with her even further, so the conductor and I drew in a ritardando and asked for a longer fermata because of this. When I conduct this piece now, I always ask for a slight ritardando and hold the fermata longer, allowing for live recomposition. (For those curious, the moment I am referring to is in Rising Light, with an optional rit in measure 20; optional extra fermata hold beat 4, measure 17.)

In my own composition practice, I am a strong believer of not having to prove anything about my heritage or culture to audiences ? both musicians and non-musicians. As an Asian-American who spent much of my youth in Thailand, I used to feel the pressure to sound Asian by pulling heavily on those influences. However, I now am in the mentality that as long as I am upfront that my pieces are not the textbook authentic Asian/Thai melodies, I can write and pull influences from wherever I would like from my childhood. I am allowed to combine my American and Asian influences as one, because this is the truest, most authentic form of me. I write pentatonic based harmony because of equally my American jazz and Asian Thai influence; I choose to write a tam-tam/gong hit because it is what I hear in my head, not because I am required and have to prove to the world “I am from Thailand” or “I am Asian”

4. If you have a piece of your own work that was a turning point in your life as a composer, would you tell me the episode about that work? (This does not have to be a wind band piece)

My wind band piece “Rising Light” was a major turning point in my life as a composer for multiple reasons. “Rising Light” was a response to post-COVID Asian hate after my mother, who had been in America for nearly 30 years, was afraid to walk alone to the grocery store due to the racist, violent, random acts of Asian hate on Asian women, specifically.

For me, it was my first time being both political and personal within my music. I was able to undo the years of being afraid to bring my Asian influences into my music after the bullying from my middle and high school education, both in and out of the band room.

However, two years after the premiere, the piece was programmed by “The President’s Own” United States Marine Band for a side-by-side concert with Equity Arc, a program that auditioned high school aged students who were underrepresented people of color. The young musicians were to play “Rising Light” side-by-side with “The President’s Own” United States Marine Band. This concert program was then cancelled by executive order due to its ties with DEI. The entire concert was scrapped due to the programmatic material.

National U.S. media outlets such as CNN, NPR, The Washington Post, and 60-Minutes covered the story, and one of the greatest things to witness was the band community across America coming to back my music and more importantly, the students who were stripped of the educational side-by-side experience with the U.S. Marine Band.

This response to my piece being censored was one of the greatest outpourings of community love and unity I had ever seen, and that became a newfound meaning to the piece.

5. If there are works by other composers or arrangers that have strongly influenced your composition or arrangement, would you tell me about them and how they have influenced you? (It does not have to be classical music)

Duke Ellington’s arrangement and story is incredibly inspiring as a composer. His mesh between classical and jazz in suites such as his work “Black, Brown, and Beige”, along with his tunes were quite inspirational.

My first experiences with the crossover of Thai music and jazz was the former King of Thailand, His Majesty Bhumibol Adulyadej, who was a composer and jazz clarinetist/ saxophonist. He often played with Benny Goodman and his compositions often integrated jazz with Thai traditional melodies. As a child, seeing the cross cultural compositions from a sitting leader was an inspiration to me as a kid.

Dr. Zhou Tian, my current teacher at Michigan State University, has also been a large influence on my concepts of identity and music composition as well, in addition to his incredible knowledge of composition and orchestration. With me, he is a large proponent of not needing to prove identity in a musical score but rather letting my music be a reflection of my identity which I appreciate. It is rare to find an Asian mentor within composition in the United States so I very much have appreciated my time with him so far.

6. Would you tell me about your future goals (or what you would like to work on in the future)?

I am looking forward to returning back to Thailand to live full time next year upon completion of my master’s degree at Michigan State University. I am excited to be working, collaborating, conducting, and composing for many ensembles there. Additionally, I am looking forward to any potential possibilities to collaborate with ensembles in the greater Asia area as well.

Most importantly, I look forward to returning to my family and prioritizing being with them. I have prioritized my education first and foremost in America since I was a child, and I am happy I made that decision; however, I do feel it is time to prioritize being with my family, especially the elderly members.

As for works in the future, I am finishing my master’s thesis which is a three movement orchestral piece entitled “A Garden of Memories”. I look forward to finishing that and also arranging it for wind band in the near future.

7. Your works are performed and appreciated in many countries around the world. Please offer some advice to young composers and students aspiring to become composers around the world.

My biggest advice for young composers and students is to find your “why” as soon as you can and know the people you want to resonate with your piece. I don’t mean finding an audience to market to (though you are welcome to for self-promotion purposes), but rather finding communities in music that may want to hear your story. In America, while we have OK representation within music within playing, within composition and conducting, the representation drops down quite a bit. Asians in America are generally more shy and reserved, therefore we often are not considered for leadership positions such as conducting, but also composition. However, I try my best to be a resource and role model when possible for other Asian-American kids who may be shy and think they do not have what it takes to be a conductor and/or composer.

I’ve found that when I am authentic to myself and goals, other people in the world also resonate with you, even when your “target audience” is not them, exactly. When I wrote my piece “Rising Light”, my target audience was Asians in America. However, many countries all over the world, both Asian and not, have started playing the piece as an educational path to showing them what injustices are going on in America. Many Asian students who are in the U.K. and Australia have also reached out saying they have also resonated in different, yet similar capacities from hearing the piece.

Lastly, the world of composition is small and unfortunately, people enjoy tearing down younger composers. In a world full of tearing down and stepping on people to climb a ladder, be the one who climbs fairly and pulls others up when they get the chance. Champion other underrepresented artists whenever you get the chance. Be a great musician, but be an even better person.

Interview and text by Shuhei Umemoto (Wind Band Press)

For more information, please visit Kevin Charoensri’s official website:
https://www.kevin-c-music.com/

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